36 directoras de cine que tienes que conocer

Cuando surge el tema de por qué hay tan pocas directoras de cine que reciban el mismo nivel de aclamación y reconocimiento que los directores masculinos, nunca falta la persona que argumenta que simplemente no existen. Sin embargo, esto no podría estar más alejado de la realidad.

Las mujeres han estado en ambos lados de la cámara desde que surgió el cine como un arte. Muchas de ellas han sido extremadamente influyentes dentro de la industria, tanto por sus técnicas innovadoras como por los temas que tratan.

En este artículo te contamos acerca de 36 directoras de cine que tienes que conocer. Así sea por sus impresionantes filmografías, por la influencia que tuvieron sobre el mundo del cine, o por el potencial que han mostrado con su talento que seguramente seguirán desarrollando.

Agnès Varda

Cuando se escribe una lista de las mejores directoras de cine, la icónica Agnès Varda suele ser la primera que se menciona. Agnès fue esencial para el desarrollo de la nueva ola francesa. Su debut tras la cámara, La pointe Courte puede considerarse como la primera película de esta corriente. Esta se estrenó años antes que las primeras obras de directores como Jean-Luc Godard o François Truffaut. La genialidad de Agnès también consistió en documentar la belleza y la fealdad de la sociedad francesa. Fue algo que hizo desde el momento que tomó una cámara hasta el día de su muerte.

Una de sus películas más aclamadas es Le Bonheur (La felicidad). Se trata de una de las mejores críticas contra la opresión de las mujeres que se han hecho, y sigue siendo relevante incluso a 56 años de su estreno. La influencia de Agnès es incalculable, pero basta con decir que fue una pionera del arte cinematográfico como lo conocemos.

Claire Denis

La directora francesa Claire Denis probablemente es una de las más famosas que siguen trabajando en el presente. También, tiene una de las filmografías más impresionantes y temáticamente diversas en la historia. Una de sus películas más famosas, Beau Travail (Buen trabajo), es sobre un oficial del ejército que debe enfrentarse a la fragilidad de su masculinidad y a la represión emocional que caracteriza a los hombres que se ven forzados a formar parte de un ambiente tan tóxico como el de la milicia.

Por otro lado, su película más reciente High Life sigue a un grupo de criminales que son enviados al espacio en una misión prácticamente suicida. Ésta lidia con temas como la moral, el propósito de la existencia humana y la posibilidad de redimirse. Parte de la genialidad de Denis yace en su habilidad de expresar ideas y sentimientos sin la necesidad del diálogo, basándose únicamente en sutiles movimientos de cámara o en el lenguaje corporal de sus actores, que casi siempre es bastante sensual. No es ninguna sorpresa que tantos actores de renombre busquen trabajar con esta directora. Aún después de 33 años de carrera, ella sigue sorprendiendo a las audiencias.

Chloé Zhao

Hoy, Chloé Zhao es conocida como la segunda mujer en la historia en ganar el premio Óscar por Mejor dirección. Sin embargo, su carrera merecía reconocimiento mucho antes de que le otorgaran la estatuilla dorada. Zhao ha sido una «indie darling» desde el estreno de su primera película Songs My Brothers Taught Me en 2015. Esto significa que es admirada dentro de la industria del cine independiente. Su película del 2020, Nomadland, también comenzó como un proyecto relativamente pequeño, pero fue por ella que por fin ganó la atención de las audiencias generales. 

En esta obra nominada a seis premios de la Academia se pueden encontrar las características que hacen especial al cine de Zhao. La directora suele contar historias acerca de comunidades sobre las que muy poca gente ha oído. Tiene el don de hacerlo de una forma tan empática y personal que al final de ellas sientes una conexión a culturas que no podrían estar más alejadas de la tuya. Es innegable que Chloé es de los directores (tanto hombres como mujeres) más interesantes del cine actual. Seguramente sorprenderá con Eternals, que además es la siguiente película del universo cinematográfico de Marvel.

Dee Rees

Dee Rees es una directora que ha realizado proyectos fascinantes tanto cinematográficos televisivos. Desde 2017 ha trabajado en colaboración con la plataforma de streaming Netflix. Mudbound fue su primera película y obtuvo cuatro nominaciones en los premios Óscar. Esto convirtió a Rees en la primera mujer afroamericana en recibir una nominación por Mejor guion adaptado. Sin embargo, su debut directorial es la obra de la directora que más vale la pena ver.

Pariah es una película semi autobiográfica que cuenta la historia de una adolescente en Brooklyn que debe aprender a aceptar su propia sexualidad. También a ser la versión más auténtica de ella misma aún cuando parece imposible hacerlo por las circunstancias de su ambiente. Esta obra fue seleccionada para formar parte de la prestigiosa Colección Criterion, que como dice The Hollywood Reporter, es una “canonización informal para los cineastas”. Rees también fue la primera mujer afroamericana en tener una película dentro de la colección. El hecho de que ha tenido una carrera tan revolucionaria y tan solo tenga 44 años es algo impresionante.

Chantal Akerman

El nombre de Chantal Akerman es prácticamente mítico entre los creadores y amantes del cine. La directora belga es conocida por los temas sumamente íntimos que tratan su películas, que van desde su relación con la religión (ella era judía, hija de dos sobrevivientes del Holocausto) hasta algo tan sensible como la depresión (una enfermedad contra la que ella batallaba y que le costó su vida en el 2015).

Akerman fue revolucionaria tanto por la esencia de sus películas como por su estilo particular, que prefería tomas largas y contemplativas así como muy poco diálogo para crear obras con una gran profundidad. Uno de sus filmes más aclamados es Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles, la cual trata acerca de la vida de una mujer viuda que debe cuidar de su hijo adolescente e intentar no perder la cordura en el proceso. El cine de Akerman es tan potente que sirvió para influenciar a otros cineastas de renombre como Michael Haneke, Gus Van Sant, y Sofia Coppola.

Lynne Ramsay

Lynne Ramsay no es tan conocida como otras de las directoras en esta lista, pero definitivamente merece serlo. Aunque no hayas oído su nombre, lo más probable es que hayas visto alguna de sus películas, como Tenemos que hablar de Kevin (protagonizada por Tilda Swinton, John C. Reilly y Ezra Miller) o You Were Never Really Here (protagonizada por Joaquín Phoenix). La directora escocesa es conocida por contar historias sobre personas gravemente dañadas, psicológicamente hablando. 

Sus thrillers están al mismo nivel que los dirigidos por David Fincher o Park Chan-wook, pero algo fascinante sobre su estilo es cómo prefiere no mostrar actos violentos, sino únicamente concentrarse en las secuelas de ellos. Esto hace que el espectador se vea forzado a utilizar su imaginación para averiguar qué fue lo que pasó exactamente, y usualmente hace que todo parezca mucho más perturbador de lo que realmente fue. Seguramente su siguiente proyecto será tan cautivador como todo lo demás que ha hecho y además también será protagonizado por Phoenix, con la adición de la fenomenal actriz Rooney Mara. 

Ava DuVernay

No es ninguna exageración decir que Ava DuVernay es una de las directoras (y productoras) de cine más importantes el día de hoy. No sólo cautiva a las audiencias con sus películas, sino que también las utiliza para crear conciencia sobre temas tan importantes como el racismo y el terrible estado del sistema penitenciario de Estados Unidos. La directora estadounidense se convirtió en la primera mujer negra en ganar el premio por Mejor director en el festival de cine de Sundance, en ser nominada al Globo de oro por Mejor director con su película Selma, y también en tener una película nominada al Óscar por Mejor película.

Además de sus aportaciones a la industria cinematográfica, también ha hecho increíbles proyectos para la televisión, entre los que destacan la miniserie de Netflix Así nos ven, que fue muy aclamada por la crítica y recibió una variedad de nominaciones a diferentes premios. DuVernay también es una gran inspiración para todos aquellos que aspiran a hacer cine, sobre todo por el hecho de que no comenzó a interesarse en el séptimo arte hasta que cumplió 32 años. 

Kelly Reichardt

Cuando se habla sobre los mejores directores de cine independiente en general, es imposible no mencionar a la brillante Kelly Reichardt. La directora de 57 años ha realizado siete películas durante su carrera, y cada una parece ser mejor que la anterior. Reichardt es conocida por cómo captura la soledad que muchas veces es inseparable de la experiencia humana, usualmente mediante historias acerca de personas comunes y corrientes que llevan vidas sumamente cotidianas.

Y es justo esa cotidianidad que hace que las obras de Reichardt sean de los mejores retratos de la humanidad que se han hecho. La directora nos invita a apreciar la belleza y la importancia de la vida diaria, mostrando cómo todo lo que realmente importa sucede dentro de ella. Pocos cineastas tienen la habilidad de capturar la intimidad que puede existir entre dos personas como ella, y es casi imposible que sus películas no te marquen de alguna forma después de verlas. First Cow es su proyecto más reciente, y es una obra que por buena razón fue adorada tanto por críticos como por las audiencias alrededor del mundo.

Lina Wertmuller

Para comprender la influencia que esta directora italiana ha tenido sobre el mundo del cine, basta con decir que fue la primera mujer en la historia en recibir una nominación al premio Óscar por Mejor director gracias a su aclamada película Seven Beauties. Lina Wertmuller nunca se ha descrito a sí misma como una feminista, pero sus obras siempre lidiaron con temas de suma importancia que muchos cineastas ignoran como el racismo, el trabajo sexual, el capitalismo, y el conflicto que existe entre clases sociales.

Puede que sus películas no sean para todos, sobre todo porque es fanática de utilizar técnicas que muchos consideran “grotescas” para contar historias que pueden llegar a ser un poco absurdas. No obstante, es ese estilo tan particular que hace que sus obras sean revolucionarias. La propia directora describe su estilo como “una combinación entre humor y drama, ironía y cinismo, comedia y tragedia”. No cabe duda que la directora es una inspiración para todas las mujeres que quieren dedicarse a la industria del cine, y siempre valdrá la pena explorar su filmografía.

Miranda July

Miranda July es una mujer que parece capaz de hacerlo todo. Además de ser directora de cine, también actúa, canta, escribe libros, guiones, y también interpreta arte de performance. July siempre se ha caracterizado por las peculiares e insólitas historias que cuenta, que cautivan a aquellos que las ven justamente por esa razón. La directora aboga por vivir una vida llena de alegría, y verter en tu arte toda la oscuridad que puedas encontrar para lograrlo.

Me and You and Everyone We Know fue su primera película, y sorprendió de tal manera al jurado del festival de Cannes que le otorgaron la Camara de Oro, que se da al mejor debut directorial. Después de ella realizó The Future, una obra en la que además también protagonizó, y aunque no fue tan bien recibida como la anterior tampoco obtuvo malas críticas. Sin embargo, puede que su película del 2020 Kajillionaire sea su mejor hasta ahora. Es casi imposible dar una descripción que capture la esencia de este inusual proyecto, pero la página de IMDB se acercó al llamarla una “comedia profundamente conmovedora y salvajemente original«.

Věra Chytilová

Gracias a su tendencia de contar historias sumamente controversiales para la sociedad en la que vivía, Věra Chytilová no pudo realizar una película durante ocho años bajo órdenes gubernamentales. La directora de Checoslovaquia (hoy dividido en República Checa y Eslovaquia) fue muy criticada en su país de origen por cómo mostraba las fallas del comunismo y de su sociedad en general. También, por los temas feministas que trataba en sus obras.

Daisies es su película más reconocida, y es una sátira que la directora describe como “un documental filosófico con la forma de una farsa”. Esta sigue a dos jóvenes desencantadas con la sociedad consumerista en la que viven, y que deciden realizar una serie de bromas progresivamente más irreverentes con las que molestan a los ciudadanos que la defienden y destruyen varios símbolos del materialismo. El tema central de la película es la liberación de las mujeres, así como una aguda crítica sociopolítica. Daisies fue prohibida por el gobierno de Checoslovaquia durante un año, pero hoy es recordada como una de las obras más influyentes de la década de los años 60.

Alejandra Márquez Abella

Alejandra Márquez Abella tuvo su comienzo en la industria escribiendo para series de televisión y realizando cortometrajes, como es el caso de muchos directores. En 2015 presentó su debut directorial en el famoso festival internacional de cine de Toronto (TIFF) y en el festival de SXSW (South by Southwest), y con él logró sorprender tanto a críticos como a audiencias y cimentarse como una de las directoras mexicanas más importantes de la época actual.

Semana santa sigue las tensas vacaciones de una familia disfuncional compuesta por una mujer viuda, su hijo de ocho años, y un nuevo novio que aún no cuenta con la confianza ni el cariño del niño. La película fue aclamada por cómo Márquez logra expresar los sentimientos de su personajes sin verbalizarlos, y por cómo muestra que a veces los lugares aparentemente idílicos son los que más nos llevan a pensar sobre aquello que nos atormenta. Su segunda película, Las niñas bien, también recibió buenas críticas por cómo muestra el clasismo que caracteriza a la sociedad mexicana, así como lo fácil que puede ser que los bienes materiales se esfumen y se lleven con ellos todos los beneficios que alguna vez trajeron.

Greta Gerwig

Puede que Greta Gerwig únicamente cuente con dos películas en su filmografía, pero resulta impresionante que ambas hayan recibido nominaciones al premio Óscar por los guiones que ella misma escribió. Además, se debe mencionar que las protagonistas de ambas películas también recibieron nominaciones por sus actuaciones, y sería un error no dar un poco de crédito a la directora por estos reconocimientos.

Gerwig comenzó su carrera en la industria cinematográfica como actriz, con sus papeles más notables siendo el que interpretó en Frances Ha de Noah Baumbach y en Mujeres del siglo XX de Mike Mills. La directora se ganó la adoración de miles gracias a la honestidad y belleza de sus películas, y tanto Lady Bird como su adaptación de Mujercitas ya se consideran como dos de las mejores películas que se han hecho del género coming-of-age. Gerwig volverá a la actuación en la nueva obra de Baumbach (White Noise), y su próximo proyecto como directora será una película sobre el icónico personaje de Barbie, que seguramente superará cualquier expectativa que se tenga sobre ella. 

Eliza Hittman

Eliza Hittman lleva menos de una década haciendo películas, pero en esos diez años ha dirigido tres películas que la han cimentado como una de las (y los) cineastas más interesantes trabajando el día de hoy. It Felt Like Love es el nombre de su primera película, una coming-of-age que recibió críticas mayormente positivas que se estrenó en el festival de cine de Sundance en 2013. Después de ella realizó Beach Rats en 2017 y la inmensamente aclamada Never Rarely Sometimes Always en 2020, que también podrían considerarse dentro de este género cinematográfico.

Usualmente, las coming-of-age se caracterizan por tener un tono optimista que a veces puede sentirse un poco irreal, pero este no es el caso de las películas de Hittman. La directora más bien se interesa en mostrar aquellas partes de la adolescencia sobre las cuales nos incomoda hablar, ya sea porque nos gusta recordar esa época como un periodo mágico de nuestras vidas o porque se trata de temas tabú. Por ejemplo, Never Rarely Sometimes Always habla de forma brillante sobre el aborto, lo insuficiente que es la educación sexual entre adolescentes, lo común que es el abuso sexual y emocional, y también los lazos inquebrantables que conforman la amistad que existe entre dos mujeres. 

Lucrecia Martel

Lucrecia Martel no sólo es una de las mejores directoras de cine de Argentina o de América Latina, sino que es una de las mejores directoras de cine en general trabajando el día de hoy. La primera película de Martel es un logro tan asombroso que es casi imposible aceptar que sea su primer trabajo, e incluso fue descrita como una obra maestra por varios críticos y periodistas. La Ciénaga cuenta la historia de una familia sumamente disfuncional, y que al mostrar los problemas que la plagan sirve como un reflejo de aquellos problemas que también afectan a su país de origen. 

Un artículo del New York Times describe las obras de Martel como “vívidas y elusivas, fragmentarias y contemplativas, agitadas y entrópicas en la misma medida, y están habitadas por personajes propensos a los accidentes que se destacan por su falta de conciencia de sí mismos”. Esto debería ser suficiente para convencer a cualquier amante del cine de explorar su filmografía, cuyas obras parecen siempre ser más fascinantes que la anterior. 

Issa López

Al ver la filmografía de Issa López, es imposible no preguntarse si hay algo que la directora y guionista mexicana no pueda hacer. Su debut directorial se dio con la película Efectos secundarios, cuyo guion también fue escrito por Issa. Esta comedia sigue a un grupo de ex-compañeros de preparatoria cuyos caminos se vuelven a cruzar en una reunión de su escuela, y que al volverse a ver deben lidiar con problemas e inseguridades que han plagado sus vidas desde que eran unos adolescentes. Su segundo proyecto como directora fue Casi divas, una comedia de humor negro que refleja perfectamente varios de los problemas más graves que afectan a la sociedad mexicana como el clasismo, la misoginia, el racismo, y la inseguridad.

Pero además de sus comedias, la directora también se adentró en el género del terror con su aclamada obra del 2017 Vuelven, un oscuro cuento de hadas sobre un grupo de niños que viven juntos en la calle después de que sus padres fueran desaparecidos por narcotraficantes. La película fue alabada por los maestros del terror Guillermo del Toro y Stephen King, y López se convirtió en la primera mujer en ganar el premio por Mejor película en el festival Calgary Underground Film Festival (CUFF). Afortunadamente, próximamente podremos disfrutar de otro proyecto de este género dirigido por ella.

Lulu Wang

Cuando se trata de cineastas que sirven como inspiración para nunca rendirse, Lulu Wang es uno de los mejores ejemplos. La directora china realizó su primera película en 2014, una comedia romántica llamada Posthumous que tuvo buena recepción por parte de los críticos, pero que no representaba el tipo de películas que le interesan hacer. Wang busca contar historias que resuenen con ella misma, y que sean un fiel retrato de la experiencia que conlleva ser un inmigrante asiático en Estados Unidos. Sin embargo, la industria de Hollywood en el presente no está muy interesada en producir películas extranjeras, mucho menos si sus protagonistas no son blancos y no hablan inglés. 

Muchas puertas se cerraron para Wang antes de que una se abriera, pero en 2019 por fin logró estrenar su segunda película The Farewell, una comedia dramática que trata sobre una mujer que debe luchar contra su propia identidad y el choque cultural que resulta de ser una mujer china que también es estadounidense. Aun con su limitado presupuesto fue uno de los proyectos más exitosos de ese año, e incluso ganó el premio Independent Spirit por Mejor película (que es el equivalente de los premios Óscar para el cine independiente). Con The Farewell, Wang se cimentó como una de las directoras que vale la pena seguir, y ya se encuentra trabajando en una variedad de proyectos que podremos disfrutar en el futuro cercano.

Alma Har’el

Puede que Alma Har’el haya comenzado su carrera dirigiendo videos musicales, pero su visión siempre ha sido decididamente cinematográfica. Su documental Bombay Beach ganó un reconocimiento en el festival de cine de Tribeca, y cuenta tres historias diferentes de personas que viven en una de las comunidades más pobres del sur de California. Esta obra muchas veces ha sido descrita como un poema visual, y la forma en la que utiliza música de artistas como Bob Dylan hace que se sienta aún más surrealista incluso cuando se trata de un documental.

Su siguiente documental LoveTrue fue igualmente bien recibido, y muestra la trayectoria natural de tres relaciones románticas que llevan a que el espectador se cuestione exactamente qué es el amor verdadero. Honey Boy fue su primer proyecto de ficción, aunque está basado en la historia real del actor Shia LaBeouf, que interpreta a su propio padre. La película fue un rotundo éxito, cautivando tanto a críticos como a las audiencias con sus elementos surrealistas y la profunda emoción que se puede sentir en cada toma que se muestra en pantalla. Alma recibió el premio por Mejor debut directorial por parte del Sindicato de directores de Estados Unidos, y seguramente no será el último reconocimiento que reciba por su talento como directora.

Julia Ducournau

La directora francesa Julia Ducournau asombró a las audiencias en el festival de cine de Toronto del 2016 con su debut directorial Voraz, una impactante película de terror sobre una joven estudiante de veterinaria que desarrolla un gusto por la carne humana. Aunque fue su primera película, la directora inmediatamente se consideró como uno de los talentos más prometedores del cine actual.

Hace tan solo unos días, Ducournau comprobó esto cuando se convirtió en la segunda mujer en la historia en ganar la prestigiosa Palma de Oro en el festival de Cannes de este año con su segunda película llamada Titane. Todavía no se saben muchos detalles acerca de ella, pero las reacciones de todos aquellos que la han visto son suficiente para que los amantes del cine de terror y el cine en general se emocionen por verla. No cabe duda que Ducornau seguirá haciendo películas que atemoricen y asombren a los espectadores, y seguramente este será el primero de muchos premios que reciba.

Regina King

La actriz Regina King apenas tuvo su debut directoral el año pasado, pero ese proyecto es suficiente para que merezca ser incluida en esta lista. Regina es mejor conocida por sus papeles en Si la colonia hablara (por la cual ganó el Óscar por Mejor actriz de reparto), y en las series de televisión de HBO Watchmen (por la cual ganó el premio Emmy por Mejor actriz en una serie limitada) y The Leftovers. Afortunadamente, el talento que tiene para dirigir es igual de grande que el talento que tiene para actuar.

Adaptar una obra de teatro para el cine no es un trabajo nada fácil. Sin embargo, Regina lo hizo de forma espectacular con One Night In Miami. Esta cuenta la historia basada en hechos reales de una noche en la que se reunieron Malcolm X, Sam Cooke, Jim Brown y Muhammad Ali – cuatro hombres legendarios que además son íconos de la comunidad afroamericana. Los actores que interpretaron estos papeles fueron muy aclamados por la crítica, y todos acreditan a Regina por haberlos llevado a dar actuaciones de ese calibre. 

Tatiana Huezo

La directora mexicana y salvadoreña Tatiana Huezo ha dado mucho de que hablar gracias a que su más reciente película recibió una ovación de 10 minutos en el festival de Cannes de este año, un logro que comparte con obras como Carol de Todd Haynes y El infiltrado del KKKlan de Spike Lee. Sin embargo, se debe decir que Huezo lleva asombrando a críticos y fanáticos del cine mucho antes de que se estrenara Noches de fuego.

El lugar más pequeño fue su debut directorial, un documental que muestra todo el sufrimiento que traigo consigo la guerra civil de El Salvador mediante el recuento de las experiencias de los habitantes de un pueblo dentro de este país sudamericano. Después de este vino Tempestad, otra fuerte historia que sigue a una mujer después de ser erróneamente encarcelada por su supuesta participación en el tráfico de personas. El cine realizado por esta directora es impresionante por su valor temático, pero también por el valor estético y técnico que tiene.

Ann Hui

En Hong Kong, el nombre de la directora Ann Hui es conocido por todos aquellos que están mínimamente interesados en el cine. Sin embargo, la carrera de la directora es tan espectacular que merece ser conocida en todas partes del mundo. Por esto fue tan importante cuando recibió un reconocimiento por su trayectoria en el festival de cine de Venecia, ya que es la primera vez que una mujer recibe este premio, y por ende puso un reflector sobre ella. 

Las obras de Hui se distinguen por cómo cuenta historias de personas cuyas experiencias raramente se muestran, pero que logran conectar con los espectadores aún cuando parecen profundamente personales. La propia directora admite que la ciudad de Hong Kong ha sido su mayor fuente de inspiración para todas sus películas, y dice que incluso las malas experiencias que ha vivido en ella la han ayudado a crear arte hermoso. Además, Hui está muy dedicada a ayudar a jóvenes cineastas a que tengan las oportunidades que ella nunca tuvo, por lo cual su influencia en el mundo del cine es incluso más grande. 

Elaine May

Elaine May es mejor conocida por su trabajo como comediante junto a Mike Nichols, pero no muchos saben que también dirigió cuatro películas a lo largo de su carrera. De hecho, May fue la única mujer en formar parte del studio system de los años 70 trabajando con el estudio de Paramount Pictures. Aunque es verdad que los ejecutivos del estudio nunca le dieron las mismas oportunidades que a otros directores (del género masculino), aún así logró realizar proyectos increíbles.

Sus primeras dos películas, A New Leaf y The Heartbreak Kid, son grandes obras dentro del cine de la comedia. Sin embargo, su mayor logro probablemente fue Mikey and Nicky, que cuenta una historia sombría acerca de dos mafiosos interpretados por los legendarios Peter Falk y John Cassavetes. Al momento de su estreno la película no tuvo tan buena recepción, sobre todo porque Paramount despidió a May antes de que pudiera completarla y por ende no pudo concretar su visión original. Sin embargo, años después logró adquirir los derechos de su propio proyecto y terminar de editarlo como ella quería, y esta nueva versión ha sido muy aclamada tanto por críticos como por las audiencias en general. 

Sofia Coppola

Pensar sobre Sofia Coppola únicamente como la hija de Francis Ford Coppola sería un grave error. Sofia es de las directoras de cine de autor más talentosas que han existido, y sus películas son una oda a lo que significa ser una mujer en todos los sentidos. Con obras como María Antonieta: La reina adolescente y Vírgenes suicidas, explora lo difícil que es dejar atrás la niñez para convertirse en una mujer adulta, en especial cuando parece que todo el mundo tiene expectativas que eres incapaz de cumplir.

La peculiar vida de Sofía combinada con el hecho de que creció rodeada de cine hace que tenga una visión que ningún otro cineasta sería capaz de replicar. Sus detractores le critican que sus películas son sumamente personales e incluso individualistas, pero esto es una decisión artística, y se puede decir que es parte de la genialidad de su trabajo. Además, también se debe mencionar el talento que Sofia tiene como guionista, que la llevó a ganar el premio Óscar por Mejor guión original con su película Perdidos en Tokio.

Kathryn Bigelow

Aunque Kathryn Bigelow por siempre se recordará como la primera mujer en la historia en ganar el premio Óscar por Mejor director, la realidad es que merece estar en la lista por muchas otras razones. Uno de los aspectos más interesantes sobre Bigelow es cómo nunca se compromete con un un cierto tema o estilo. Al contrario, la directora busca crear películas cuyos protagonistas siempre son diferentes a los de su último proyecto. Además de Zona de miedo, que es la película por la que ganó el Óscar, sus proyectos más populares probablemente sean La noche más oscura (protagonizada por Jessica Chastain) y Punto de quiebre (protagonizada por Keanu Reeves y Patrick Swayze). 

Las primeras dos tienen más en común únicamente por tratarse de películas de guerra, pero Punto de quiebre es completamente diferente. Esta sigue a un joven policía que busca infiltrarse dentro de una banda de criminales/surfistas, pero que inesperadamente forma una fuerte relación con el líder de la banda. Bigelow rompe todos los estereotipos de lo que una directora debería ser al concentrarse en historias llenas de acción y tensión, pero es innegable que su visión femenina la separa de todos los otros directores que también se enfocan en este género. 

Maryse Sistach Peret

Cuando se habla de cine que refleja la realidad social en la que se encuentra un país entero, pocos directores lo hacen tan bien como Maryse Sistach. Las películas de la mexicana se caracterizan por cómo retratan la violencia que sufren las mujeres de nuestro país, especialmente la violencia sexual y emocional que afecta a una gran mayoría de las adolescentes. Este es el tema central de tres de sus obras que forman parte de una serie temática llamada «trilogía de la maldad», conformada por Perfume de violetas (nadie te oye), Manos libres (nadie te habla), y La niña en la piedra (nadie te ve).

Sistach no trabajó como directora en todas las películas de la trilogía, pero en todas colaboró de cierta forma junto con el director y guionista José Buil. La directora estudió antropología social antes de dedicarse al cine, y esto ayuda a que las historias que cuenta tengan una profundidad y una sensación de realismo que pocas pueden lograr. El cine de la mexicana es revolucionario por estos temas tan sensibles que trata y por la forma en la que lo hace, pero también por el hecho de que son temas que no suelen ser explorados por otros cineastas, aún cuando son tan relevantes el día de hoy. Sin duda, es uno de los nombres más importantes e influyentes dentro del cine mexicano contemporáneo.

Ida Lupino

Si el día de hoy es difícil que una mujer tenga la oportunidad de convertirse en una directora de cine, es evidente que en la década de los años 50 esto era aún más complicado. Sin embargo, la legendaria Ida Lupino no dejó que eso la parara. Lupino comenzó su carrera como actriz, pero rápidamente se dio cuenta de que no era algo que la apasionara. Por esto decidió pasar la mayor parte de su tiempo como empleada del estudio Warner Brothers dentro de los sets de otros directores, para observar cómo trabajaban para poder aprender de ellos.

Lupino fue la primera mujer en dirigir una película del género film noir (The Hitch-Hiker), fue tan solo la segunda en formar parte del Sindicato de directores de Estados Unidos, y fue la única mujer en dirigir un capítulo de la icónica serie de televisión La dimensión desconocida. Como consecuencia de los obstáculos a los que se enfrentaba, Lupino solía reutilizar sets de otras películas para las suyas, así como reclutar a amigos y familiares para que actuaran en ellas. Sin duda, la directora ayudó a preparar el camino que siguieron muchas otras cineastas, y siempre merecerá reconocimiento por ello. 

Mira Nair

Mira Nair se encuentra dentro del pequeño grupo de directores de la India que lograron tener éxito en Hollywood, y con un simple vistazo a su filmografía queda claro por qué. La directora emigró a Estados Unidos y estudió en la prestigiosa Universidad de Harvard, donde comenzó a interesarse en la actuación gracias a su gran programa de teatro. Sin embargo, Nair rápidamente se dio cuenta de que le gustaba más estar detrás de la cámara que frente a ella.

Al principio de su carrera se concentró en el cine documental, pero después comenzó a interesarse más en la ficción. Salaam Bombay! fue su primera película, con la cual ganó la Cámara de Oro en Cannes y también recibió una nominación al premio Óscar por Mejor película extranjera. Mira Nair destaca por su versatilidad, así como por el talento que tiene para realizar proyectos impresionantes con recursos limitados, por lo cual se le considera como una de las mejores cineastas independientes que existen.

Nora Ephron

Si te gustan las comedias románticas, lo más probable es que hayas visto alguna de las películas escritas o dirigidas por Nora Ephron. Quizás su obra más recordada es Cuando Harry encontró a Sally (protagonizada por Meg Ryan y Billy Cristal y dirigida por Rob Reiner), por la cual recibió una nominación al premio Óscar por Mejor guión original. Sin embargo, Tienes un e-mail y Sintonía de amor son igual de conocidas, y ambos proyectos fueron escritos y dirigidos por la propia Ephron. Además, también recibieron nominaciones a los premios de la Academia por sus guiones originales. 

Aunque el género de la comedia romántica a veces es criticado por ser predecible y cursi, la realidad es que las historias que cuenta Ephron se salen del molde gracias a su ingenio, su sentido del humor, y sus personajes imperfectos que encantan a los espectadores justamente por sus imperfecciones. No cabe duda que fue de las directoras más importantes del cine estadounidense de los años 90, y su legado seguirá inspirando a miles de mujeres y hombres que quieran adentrarse en la industria cinematográfica. 

Jane Campion

Jane Campion es una de las siete mujeres que han sido nominadas al premio Óscar por Mejor director, y es la primera mujer en la historia que ganó la Palma de Oro en el festival de Cannes con su película The Piano. Esta cuenta la historia de una mujer escocesa que pierde la habilidad de hablar por razones psicológicas, y que debe mudarse a Nueva Zelanda después de que su familia concierta un matrimonio para ella. La obra llevó a que Campion ganara el premio Óscar por Mejor guión original, y las dos actrices principales también recibieron estatuillas doradas. De hecho, Anna Paquin se convirtió en la segunda ganadora más joven en la historia, con tan solo 11 años de edad.

El periodico inglés The Guardian describe el cine de Campion como “profundamente femenino”, ya que se interesa en representar los conflictos que caracterizan las vidas de las mujeres. La directora explica que estaba cansada de tener que ver al mundo a través de los ojos de un hombre, y por eso quería ofrecer una visión alternativa. Campion comenzó a realizar películas porque sabía que si ella no creaba las historias que le interesaban, nadie lo iba a hacer, y su impresionante filmografía demuestra que tomó la decisión correcta. 

Julie Taymor

Aunque Julie Taymor es mejor conocida dentro de la industria del teatro, su talento como directora de obras teatrales le ha servido para dirigir varias películas excelentes. Taymor fue quien adaptó la icónica historia de Disney de El rey león para mostrarla en Broadway, y se convirtió en la primera mujer en ganar un premio Tony por Mejor director gracias a su increíble esfuerzo.

Tan sólo dos años después del estreno del musical tuvo su debut directorial con Titus, una adaptación de la tragedia de Shakespeare que además fue protagonizada por Jessica Lange y Anthony Hopkins. Tres años después realizó la aclamada película biográfica Frida, por la cual Salma Hayek se convirtió en la primera mujer mexicana en recibir una nominación al Óscar por Mejor actriz gracias a su interpretación de la artista Frida Kahlo. Además de ellas, en 2005 se estrenó su película musical A través del universo, que utilizó las canciones de los Beatles para contar una historia y que es uno de los clásicos de culto más queridos.

Emma Seligman

Emma Seligman es otra de las directoras en esta lista que únicamente cuenta con una película en su filmografía, pero esa película es tan fantástica que es imposible no incluirla. Además, con tan solo 26 años es la directora más joven mencionada en este artículo. Seligman realizó Shiva Baby como su proyecto de tesis para graduarse de la prestigiosa escuela de cine de NYU (New York University), y tuvo tan buena recepción que decidió enviarla al famoso festival de SXSW (South By Southwest).

Shiva Baby es una película difícil de describir. La trama sigue a una joven judía que inesperadamente se encuentra a su sugar daddy en el funeral (o shiva) de un integrante de su comunidad. Ahí debe lidiar con las constantes preguntas que sus padres le hacen acerca de sus planes para el futuro, con el hecho de que su ex novia es mucho más exitosa que ella, y también con la sorpresa de que su sugar daddy está casado y tiene una hija. La película es tan graciosa como lo es estresante, y hay momentos en los que la pena ajena es tan grande que tienes que resistir las ganas de apartar la vista. Sin duda, Seligman es una directora cuya trayectoria valdrá la pena seguir. 

Céline Sciamma

Con seis películas en su filmografía, Céline Sciamma es una de las directoras de cine más famosas en Francia. Sin embargo, con Retrato de una mujer en llamas (que muchos consideran su obra maestra) por fin logró reconocimiento a nivel mundial. La película recibió una nominación a la Palma de Oro en el festival de Cannes, y ganó la Palma por Mejor guión y por Mejor película LGBT. Esta obra fue aclamada por su belleza tanto visual como temática, y por cómo retrata el amor entre dos mujeres con la gentileza y respeto que merece.

En general, todas las películas de Sciamma se caracterizan por la forma tan cuidadosa e incluso reverencial en la que trata a sus protagonistas y al tema que tratan. Con su obra Water Lillies perfectamente captura esa etapa durante la adolescencia en la que por primera vez comienzas a explorar tu sexualidad, y recibió una nominación al premio César (el equivalente de los premios Óscar en Francia) por Mejor debut directorial. Y con Tomboy, logra mostrar de forma impecable un tema tan complicado como lo es la identidad de género, específicamente lo que ocurre cuando esta se cuestiona desde muy temprana edad.

Natalia Beristáin

Al ser hija de dos actores, parece que Natalia Beristáin estuvo destinada desde su nacimiento a ser parte de la industria. Sin embargo, ella siempre ha seguido su propio camino, y decidió postrarse detrás de la cámara en vez de frente a ella. Su debut directorial No quiero dormir sola se estrenó en el prestigioso festival de cine de Venecia, y por él también recibió el premio a Mejor largometraje mexicano en el festival de cine de Morelia en 2012.

En 2017 se estrenó su aclamada película Los adioses, la cual está basada en la vida de la famosa escritora mexicana Rosario Castellanos. Esta obra cautivó a las audiencias por la forma tan empática e íntima en la que retrata a una de las artistas más famosas e influyentes del siglo XX. Beristáin mostró tener un don para capturar la humanidad de Rosario y la esencia de su persona en vez de simplemente contar su vida de forma episódica como muchas otras películas biográficas lo hacen. Esta delicadeza es algo que caracteriza a su estilo personal, pero coexiste con su excelente habilidad de construir una narrativa que captura la atención del espectador y no la suelta hasta que la imagen en pantalla se desvanece a negro.

Marielle Heller

Marielle Heller es una directora que ha realizado películas que seguramente has visto, pero que no sabes que son suyas. La estadounidense únicamente cuenta con tres películas a su nombre, pero son tres películas que definitivamente vale la pena ver. Además, Heller también ha trabajado como actriz, más recientemente en la aclamada serie limitada de Netflix Gambito de dama. Tanto su debut directorial The Diary of a Teenage Girl como su segunda película ¿Puedes perdonarme? tuvieron muy buena recepción por la crítica, y las dos logran mezclar la comedia con el drama de una forma fascinante. 

Sin embargo, su tercera película Un buen día en el vecindario definitivamente es la que le ha traído mayor reconocimiento. En ella, el legendario Tom Hanks interpreta al también legendario Mr. Rogers, y la historia se centra en una entrevista que le hace un cínico reportero que no puede creer que el personaje de Hanks sea tan bueno como dice ser. Las obras de Heller siempre buscan mostrar que aún las personas más imperfectas tienen cualidades redentoras, y que nunca es muy tarde para cambiar e intentar hacer al mundo un mejor lugar. 

Lorene Scafaria

Tuvieron que pasar veinte años para que Lorene Scafaria recibiera la atención que merece por su trabajo dentro de la industria de Hollywood, y fue gracias a la excepcional película Las estafadoras de Wall Street protagonizada por Jennifer López y Constance Wu. Está basada en la historia real contada en un artículo publicado en New York Magazine, y el hecho de que fuera completamente ignorada por la Academia de ciencias y artes cinematográficas al escoger qué películas serían nominadas en sus premios causó indignación entre muchos fanáticos del cine.

Aunque esta película del 2019 es sin duda su proyecto más exitoso, la directora tiene una variedad de obras más pequeñas que también vale la pena ver. Una de ellas es Buscando un amigo para el fin del mundo (protagonizada por Keira Knightley y Steve Carrell), que es tan entretenida y graciosa como lo es conmovedora. Una madre indiscreta (protagonizada por Susan Sarandon, J.K. Simmons y Rose Byrne) es otra gran comedia dirigida por Scafaria, que también cuenta con un grado de sentimentalismo y autenticidad que la hace más profunda que muchas otras películas que forman parte de este género.

Ana Paula Villarin